Andrea D. Fitzpatrick (iel/iels/elle) a obtenu un doctorat en histoire de l'art et en théorie critique de l'Université McGill en 2005 et est professeur associé d'histoire de l'art depuis 2012. Leurs recherches portent sur l'art visuel contemporain dans tous les médias (en particulier la photographie, la vidéo, la performance, le multimédia et l'installation), l'identité, le genre, la théorie critique de la race, les théories anticoloniales, la politique et l'éthique de la représentation, ainsi que les images des violations des droits de l'homme et la résistance à ces violations au cours de guerres et de conflits particuliers. Actuellement, iels explorent l'art contemporain des femmes iraniennes diasporiques au Canada, l'œuvre de l'artiste irano-canadien Sadegh Tirafkan, l'art et les expositions sud-africaines contemporaines, l'art photographique palestinien et la résistance, le soutien curatorial aux artistes du Sud global dans les expositions Documenta (#11 - 15) à Kassel, et à la Biennale de Venise (#56, 2015), et les mémoriaux de l'Holocauste à Berlin. Fitzpatrick a également présenté ses recherches à l'échelle internationale, les a fait traduire en allemand, en farsi et en français, et a organisé des expositions d'art iranien basé sur les lentilles dans deux centres d'artistes au Canada (SAW Gallery à Ottawa et Gallery 44 à Toronto). Iels travaillent actuellement à la rédaction d'un livre sur l'art contemporain, les méthodologies, les expositions et les monuments commémoratifs, ainsi que sur l'utilité de divers paradigmes théoriques et philosophiques pour aborder ces domaines.

Lorraine Gilbert produit et expose des œuvres photographiques depuis 1978. Ces œuvres ont été présentées dans le cadre d'expositions individuelles, collectives et individuelles, telles que Global Nature, une exposition itinérante du Musée canadien de la photographie contemporaine, et The Tree : From the Sublime to the Social à la Vancouver Art Gallery, Vancouver, BC, deux expositions itinérantes.

Gilbert enseigne l'art et la photographie depuis 25 ans et est actuellement directeur du programme de maîtrise en beaux-arts à l'Université d'Ottawa.

Jennifer Macklem crée des sculptures, des vidéos, des performances, des installations, des peintures, des dessins et de l'art public. Sa pratique artistique, de nature expérimentale, a fait l'objet d'expositions nationales et internationales. Elle a présenté son travail dans des centres d'artistes autogérés, des galeries universitaires et des musées. Elle a fait ses études de premier cycle à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et à la Parsons School of Design. Elle a obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'Université du Québec à Montréal.

Originaire de Montréal, Jennifer Macklem est professeure agrégée de sculpture à l'Université d'Ottawa, après avoir occupé un poste permanent à l'Université Mount Allison, au Nouveau-Brunswick. Au milieu des années 1990, elle a été coordonnatrice, directrice et conservatrice de l'Alternator Gallery for Contemporary Art, située à Kelowna, en Colombie-Britannique.

Martin Golland est né à Montpellier, en France, en 1975 et a vécu à Instanbul, Puerto Rico, Miami, Victoria (C.-B.) et Toronto avant de s'installer à Ottawa. Golland a obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l'Université de Guelph (2006) et son baccalauréat en beaux-arts de l'Université Concordia (1998). Golland a exposé à l'échelle nationale et internationale. Il a reçu le prestigieux prix de la mention honorable au 11e concours annuel de peinture RBC ; il a exposé dans divers musées et galeries du Canada, notamment au Musée des beaux-arts du Canada, au Power Plant Toronto, au Musée d'art contemporain de Montréal et à la Contemporary Art Gallery de Vancouver. Martin Golland est professeur associé à l'Université d'Ottawa.

L'artiste multidisciplinaire Andrew Wright crée des œuvres conceptuelles dans de nombreux médias. Depuis plus de 25 ans, il se préoccupe également de l'utilisation de la photographie de manière traditionnelle et résolument non traditionnelle.

Wright a beaucoup exposé au Canada et à l'étranger, notamment aux États-Unis, au Royaume-Uni, dans l'Union européenne, en Corée et en Chine. Il a notamment exposé à la London Gallery West, à la Polygon Gallery de Vancouver, au Musée d'art de l'Université de Toronto, au Musée des beaux-arts de l'Ontario, à la Galerie d'art d'Ottawa, à l'Université de Californie à Berkeley, aux galeries d'Oakville et au Today Art Museum de Beijing.

Ses œuvres se retrouvent dans les collections du Musée des beaux-arts du Canada, du X'ian Art Museum, en Chine, du Agnes Etherington Art Centre, du KWAG, de l'Université de Toronto, de la Galerie d'art d'Ottawa, de la Maison du Canada, du Haut-commissariat du Canada à Londres et dans des collections privées du monde entier.

Andrew Wright est professeur agrégé au département des arts visuels de l'Université d'Ottawa.

Jennifer Macklem crée des sculptures, des vidéos, des performances, des installations, des peintures, des dessins et de l'art public. Sa pratique artistique, de nature expérimentale, a fait l'objet d'expositions nationales et internationales. Elle a présenté son travail dans des centres d'artistes autogérés, des galeries universitaires et des musées. Elle a fait ses études de premier cycle à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et à la Parsons School of Design. Elle a obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'Université du Québec à Montréal.

Originaire de Montréal, Jennifer Macklem est professeure agrégée de sculpture à l'Université d'Ottawa, après avoir occupé un poste permanent à l'Université Mount Allison, au Nouveau-Brunswick. Au milieu des années 1990, elle a été coordonnatrice, directrice et conservatrice de l'Alternator Gallery for Contemporary Art, située à Kelowna, en Colombie-Britannique.

Lorraine Gilbert produit et expose des œuvres photographiques depuis 1978. Ces œuvres ont été présentées dans le cadre d'expositions individuelles, collectives et individuelles, telles que Global Nature, une exposition itinérante du Musée canadien de la photographie contemporaine, et The Tree : From the Sublime to the Social à la Vancouver Art Gallery, Vancouver, BC, deux expositions itinérantes.

Gilbert enseigne l'art et la photographie depuis 25 ans et est actuellement directeur du programme de maîtrise en beaux-arts à l'Université d'Ottawa.

Andrew Morrow est un artiste canadien contemporain qui vit à Chelsea, QC, Canada. L'œuvre de Morrow se caractérise par un désir agité d'habiter et d'étendre la peinture figurative historique occidentale. Sa pratique actuelle se situe à l'intersection de la relationnalité et de l'art, motivée par un désir de connexion et de communauté, et fondée sur des principes d'intendance et de responsabilité. Dans son travail, des figures fragmentées et archétypales peuplent des paysages changeants et incertains, s'approchant du sublime sans jamais l'atteindre. Reflétant un engagement continu envers la peinture figurative matérielle, la pratique de Morrow comprend des dessins à petite et grande échelle, des peintures et parfois des installations.

Sarah Rooney est une artiste visuelle qui crée des œuvres par le biais d'une superposition de registres. Cherchant à devenir le témoin de subtiles énigmes spatiales, ses réseaux photographie-peinture présentent des réflexions sur les changements de distance, d'immédiateté et de temps. Elle a étudié au Chelsea College of Art and Design à Londres, en Angleterre, avant d'obtenir un BFA de l'Université Concordia et un MFA de l'Université York au Canada. Elle a exposé ses œuvres au Canada et aux États-Unis, et ses peintures font partie de la collection de la Banque d'œuvres d'art du Conseil des Arts du Canada, ainsi que de collections privées au Canada, aux États-Unis et en Europe. Elle a enseigné à l'Université York et à l'Université de Toronto, et elle est professeur à temps partiel au département des arts visuels de l'Université d'Ottawa. Sarah Rooney est née en Afrique du Sud et a passé ses années de formation au Brésil ; elle vit à Montréal.

Né à Toronto, David McDougall a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Queen's et une maîtrise en beaux-arts de l'Université York. Il a commencé sa carrière en tant que sculpteur figuratif, puis a élargi sa pratique artistique pour inclure l'art cinétique et électronique ainsi que les nouveaux médias et l'animation. La plupart de ses œuvres tournent autour d'idées liées à la technologie, à l'intelligence artificielle et à l'environnement. David vit et travaille à Ottawa. Il est actuellement professeur à temps partiel et technicien de studio à temps plein au département des arts visuels de l'Université d'Ottawa.

Ryan Stec est un artiste, producteur et designer qui travaille à la fois dans la recherche et la production. Sa relation avec l'image en mouvement a débuté par le documentaire. Sa pratique s'est lentement étendue au-delà des limites de l'écran, combinant de plus en plus la lumière, la couleur, la structure et les matériaux avec une considération plus profonde du site et de la ville.

Stec est candidat au doctorat à l'école d'architecture et d'urbanisme Azrieli de l'université Carleton. Ses recherches portent sur le potentiel politique des interventions temporaires et informelles dans la ville, et sur l'exploration de nouvelles approches pour cartographier les phénomènes temporels.

He has also been heavily involved in the artist-run culture of Ottawa, Canada since 1998, and since 2005 he has been the Artistic Director of Artengine, a non-profit center for art and technology.

En 1981, Ariane Thézé est diplômée de l'École des beaux-arts d'Angers. En 1982, elle s'installe à Montréal, au Québec, où elle obtient une maîtrise en arts plastiques de l'Université du Québec à Montréal en 1984. Elle se fait rapidement connaître en tant qu'artiste pour son travail sur la représentation du corps et expose pour la première fois en 1983 à la galerie Dazibao à Montréal.

Ses premières œuvres, des photographies de peaux humaines sur polymères acryliques suspendues à des cintres (Déportraitisation, 1983) révèlent une approche artistique de l'image du corps, et plus particulièrement de son corps, en posant des questions sur l'identité, le désir et la mémoire. En 1986, elle retourne brièvement en France et obtient une deuxième maîtrise à l'université de Paris I la Sorbonne.

Au cours des années 90, sa carrière s'internationalise puisqu'elle expose dans divers musées en France, en Espagne, en Autriche et en Allemagne et participe à de nombreux festivals de films d'art. En 2003, elle obtient un doctorat en études pratiques de l'art à l'Université de Québec à Montréal.

Les œuvres photographiques et vidéo de Chantal Gervais traitent de la représentation, de l'identité, de la condition humaine et de la relation entre le corps et la technologie. Elle a exposé en solo à la Harcourt House Gallery d'Edmonton, à Art-Image de Gatineau (Québec), à la galerie McClure et au Vidéographe de Montréal, à la Galerie Séquence de Chicoutimi (Québec), ainsi qu'à la galerie Karsh-Masson et à la galerie d'art de l'Université Carleton à Ottawa. Elle a parlé de son travail dans des institutions telles que le Musée des beaux-arts du Canada. Elle a reçu le Prix Karsh 2014 décerné par la Ville d'Ottawa et le Prix du duc et de la duchesse d'York en photographie du Conseil des Arts du Canada en 2002. Son travail a été soutenu par plusieurs subventions du Conseil des arts de l'Ontario, du Conseil des arts du Canada et de la Ville d'Ottawa. Elle a obtenu un baccalauréat en photographie de l'Université d'Ottawa et une maîtrise en art et pratique médiatique de l'Université de Westminster à Londres, au Royaume-Uni. Elle a été membre du conseil d'administration de centres d'artistes locaux, dont Daimon, et a enseigné à l'Université d'Ottawa et à l'École d'art d'Ottawa.

Cara Tierney (iel) est un artiste et chercheur qui a obtenu son doctorat en médiations culturelles à l'université de Carleton. S'inspirant des études queer, des études trans, des études pédagogiques et de l'art visuel dans tous les médias (en particulier la performance, la photographie, la vidéo, la sculpture et l'installation), ses recherches actuelles adoptent une approche transdisciplinaire pour étudier la façon dont l'art peut être utilisé au service de la transformation sociale. Grâce à la pratique créative, à la recherche universitaire et aux collaborations interdisciplinaires, leur travail actuel vise à promouvoir les compétences visuelles et de genre au service de la désarticulation des barrières sociales qui entravent la participation à la vie publique des personnes bispirituelles, transgenres et non conformes au genre.  Dans une perspective intersectionnelle, cela signifie qu'il faut toujours orienter le travail et les efforts pour qu'ils soient au service des personnes les plus marginalisées. En utilisant les capacités pour l'émancipation et la conscientisation des pédagogies radicales, et les systemes d'interprétation ouvertes de la production culturelle visuelle, leur travail cherche à élargir la façon dont nous rencontrons et produisons la connaissance, et la façon dont la recherche et les pratiques académiques peuvent trouver des points d'ancrage significatifs, basés sur l'action, qui mènent au changement social.

Born in Montreal, Margo lives in Ottawa. She has a Bachelor of Fine Arts from Concordia University and a Master of Fine Arts from Temple University/Tyler School of Art in Philadelphia. She has also studied at the Haystack School of Crafts in Deer Isle, Maine and the Banff Centre in Banff, Alberta. She has experience as a writer and is a faculty member in the Department of Visual Arts at the University of Ottawa where she teaches drawing, painting and sculpture. During the spring and summer months she also works as a gardener. Deborah Margo's work combines different disciplines including sculpture, drawing and ephemeral installations, questioning architectural and historical contexts of public and private spaces. Focusing on processes and materials relevant to these different contexts, a conversation takes place between a specific site and the materials she works with. Her working process is both conceptual and intuitive, based on research yet open to so-called accidents. Time, change and touch are key preoccupations.

Since 1984, Margo has exhibited in Canada, Mexico and the United States, participating in solo and group projects.

Rosalie Favell is a photo-based artist, born in Winnipeg, Manitoba. Drawing inspiration from her family history and Métis (Cree/English) heritage, she uses a variety of sources, from family albums to popular culture, to present a complex self-portrait of her experiences as a contemporary aboriginal woman.

Over the course of her long career, Favell’s work has appeared in exhibitions in Canada, the US, Edinburgh, Scotland, Paris, France, Taipei, Taiwan and Melbourne, Australia. Numerous institutions have acquired her artwork including: National Gallery of Canada (Ottawa), Canadian Museum of Contemporary Photography (Ottawa), Smithsonian National Museum of the American Indian (Washington, D.C.), and Global Affairs, Canada. She has received numerous grants, and won prestigious awards such as the Ontario Arts Foundation – Paul DeHuek/Norman Walford Career Achievement Award, the Chalmers Fellowship, the Victor Martyn Lynch-Staunten Award and the Karsh Award. A graduate of Ryerson Polytechnic Institute, Rosalie holds a Master of Fine Arts degree from the University of New Mexico and a PhD (ABD) from Carleton University in Cultural Mediations. In Ottawa Rosalie has taught at Carleton University, the University of Ottawa and Discovery University.

Allison O’Connor is a Franco-Canadian multidisciplinary artist and art administrator working at the intersection of ecology and public art. Her practice emphasizes the symbiotic relationship between artists, audiences, and the ecological context they occupy. Allison generates artworks that consider the environment and its inhabitants by utilizing environmental sciences and consultative practices. She is an MFA graduate from the School of Visual Arts of New York City, in Art Practice, receiving the Paula Rhodes Memorial Award for her thesis writing on the use of public art for ecological remediation. This methodology is applied in her role as part of the City of Ottawa's Public Art Program, where she commissions and implements public art.

Originally from France, Jérôme Havre is a Toronto based artist inspired by the production of natural history dioramas in museums and zoos. He develops in his creations reflexive spaces through immersive processes. He looks for ways to do this through presentation, the creation of situations, or setting the stage with his sculptures and inviting the public to take part “in the show.” Jérôme's work interrogates issues of identity, territory and community through the representation of nature. That is, the manner in which it is presented and yet can be more readily perceived through our cultural filters. According to Jérôme, “nature is deliberately altered in order to deceive us and keep order.” Jérôme completed his studies at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. During his time at the School of Fine Arts he was awarded three scholarships that enabled him to pursue different art practices: silk printing techniques in New York (Cooper Union), printing techniques in Barcelona (Bellas Artes) and painting and video in Berlin (Universität der Künste Berlin - HDK) in the workshop of Marwan Kassab Bashi. Jérôme uses textiles, sculpture, digital prints, photographic images, murals, sound recording, and videos to create scenographic installations. For him, the use of a technological process is not only to accomplish a specific task, but a necessary form of expression itself.

Jakub Zdebik a obtenu son doctorat du Centre for the Study of Theory and Criticism à l’University of Western Ontario se spécialisant dans la théorie esthétique française contemporaine. Son livre, intitulé Deleuze and the Diagram : Aesthetic Threads in Visual Organization, a été publié par Continuum Press. Cette monographie, qui est basée sur sa thèse doctorale, se penche sur l’esthétique de l’organisation et sa représentation à travers le concept du diagramme en utilisant l’art moderne et contemporain comme une manifestation de cette théorie. Il a aussi traduit des textes français de Guattari et de Jean-Clet Martin. Il est commissaire de l’exposition Art as Information au Kennedy Museum of Art en Ohio. Il travaille aussi sur une monographie sur le concept esthétique de la carte-image.

De plus, il a enseigné dans plusieurs universités canadiennes tel que l’université Concordia, l’université de Guelph, l’université Carleton et Trent University. Il a aussi enseigné à l’université d’Ottawa en tant que professeur à temps partiel pendant plusieurs années.

Andrea D. Fitzpatrick (iel/iels/elle) a obtenu un doctorat en histoire de l'art et en théorie critique de l'Université McGill en 2005 et est professeur associé d'histoire de l'art depuis 2012. Leurs recherches portent sur l'art visuel contemporain dans tous les médias (en particulier la photographie, la vidéo, la performance, le multimédia et l'installation), l'identité, le genre, la théorie critique de la race, les théories anticoloniales, la politique et l'éthique de la représentation, ainsi que les images des violations des droits de l'homme et la résistance à ces violations au cours de guerres et de conflits particuliers. Actuellement, iels explorent l'art contemporain des femmes iraniennes diasporiques au Canada, l'œuvre de l'artiste irano-canadien Sadegh Tirafkan, l'art et les expositions sud-africaines contemporaines, l'art photographique palestinien et la résistance, le soutien curatorial aux artistes du Sud global dans les expositions Documenta (#11 - 15) à Kassel, et à la Biennale de Venise (#56, 2015), et les mémoriaux de l'Holocauste à Berlin. Fitzpatrick a également présenté ses recherches à l'échelle internationale, les a fait traduire en allemand, en farsi et en français, et a organisé des expositions d'art iranien basé sur les lentilles dans deux centres d'artistes au Canada (SAW Gallery à Ottawa et Gallery 44 à Toronto). Iels travaillent actuellement à la rédaction d'un livre sur l'art contemporain, les méthodologies, les expositions et les monuments commémoratifs, ainsi que sur l'utilité de divers paradigmes théoriques et philosophiques pour aborder ces domaines.

Cristina S. Martinez est une historienne de l'art interdisciplinaire, titulaire d'un doctorat du Birkbeck College de l'université de Londres. Ses recherches portent sur l'art britannique du XVIIIe siècle, William Hogarth, l'histoire du droit d'auteur, l'art canadien et les pratiques artistiques d'appropriation. Professeure Martinez est la biographe officielle de l'entrée Jane Hogarth dans l'Oxford Dictionary of National Biography, et est co-éditrice du volume Female Printmakers, Printsellers, and Print Publishers in the Eighteenth Century : The Imprint of Women, c. 1700-1830, publié par Cambridge University Press (2024).

Sheena Gourlay s’intéresse aux pratiques actuelles en art et à leurs rapports aux théories contemporaines. Ses travaux ont examiné les changements survenus dans les arts visuels depuis les années 1970, en accordant une attention particulière aux pratiques artistiques féministes et postcoloniales, leurs modes d’exposition, et les discours qui les positionnent et les présentent. Ses principaux domaines d’enseignement sont l’art canadien, postmoderne et autochtone. Elle enseigne également en Études féministes et de genre où elle donne des cours sur les théories et méthodologies féministes, le genre et la mondialisation, et les féminismes anticoloniaux et antiracistes, entre autres. Avant d’entamer une carrière d’enseignante, elle a travaillé plusieurs années dans les centres d’artistes à Saskatoon (AKA Gallery) et à Montréal (La Centrale).

Andrea Kunard has an extensive background in photography, both historical and contemporary, Canadian and international. She earned her PhD in 2004 from Queen’s University, and taught survey and seminar courses on the history of photography, Canadian Art (historical and contemporary), and museology for over a decade at Carleton University, Queen's University and Nova Scotia College of Art & Design University. She has published in numerous academic journals, magazines and books such as the International Journal of Canadian Studies, Early Popular Visual Culture, The Journal of Canadian Art History, Muse, BlackFlash, Encyclopaedia of Nineteenth-Century Photography, and Photography: Crisis of History (edited by Joan Fontcuberta).

Stefan St-Laurent, multidisciplinary artist and curator, is born in Moncton, New-Brunswick, lives and works in Ottawa. He was the invited curator for the Biennale d’art performatif de Rouyn-Noranda in 2008, and for the 28th and 29th Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul in 2010 and 2011. From 2002 - 2011, he worked as Curator of Galerie SAW Gallery, and has been an Adjunct Professor in the Department of Visual arts at Ottawa University since 2010.

Anna (Ania) Paluch (elle) est une Canadienne d'origine polonaise qui enseigne à temps partiel l'histoire de l'art à l'université d'Ottawa. Sa recherche doctorale sur les médiations culturelles à l'université de Carleton portait sur les dialogues transnationaux entre les artistes, les cinéastes et les activistes autochtones d'Amérique du Nord et d'Europe de l'Est. Elle est également conférencière, conservatrice et artiste indépendante, invitée à prendre la parole lors d'événements organisés par l'ambassade de Pologne et d'autres initiatives de la communauté polonaise. Ses ateliers portent sur l'art populaire polonais et les histoires oubliées, ainsi que sur l'activisme en faveur des communautés marginalisées en Pologne et au Canada. Elle est intervenue lors de conférences au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Autriche, en Nouvelle-Zélande et en Allemagne, et a participé à la résidence curatoriale East Call, organisée par Easttopics (Budapest, Hongrie) en 2020 (Virtually). En dehors du monde universitaire, elle a travaillé à Minwaashin Lodge pendant près de 10 ans, au sein du refuge pour femmes autochtones et de l'équipe de sensibilisation à la rue.

Travaux récemment publiés : "The Baltic Waterways : Mapping Cross-Cultural and Ecological Awareness of the Baltic Sea", Ephemeral Coast : Visualizing Coastal Climate Change. Ed. Celina Jeffery. Wilmington : Vernon Press, 2022.

Chinatsu Kobayashi est née à Tokyo au Japon. Elle a étudié la philosophie à l’Université d’Ottawa, rédigeant une thèse de doctorat portant en partie sur l’esthétique de Collingwood. Après avoir obtenu des crédits supplémentaires en histoire de l’art à McGill, elle a entamé des études doctorales à l’Université du Québec à Montréal, durant lesquelles elle séjourna à l’Université d’Oxford. Elle a rédigé sa deuxième thèse doctorale sur la théorie esthétique de John Ruskin et son influence sur les Arts and Crafts britannique ainsi que sur le début de l’Art Nouveau sur le continent européen. Elle a publié de nombreux articles sur l’esthétique de Collingwood et édité certaines de ses lettres. Actuellement, elle travaille sur la publication d’articles tirés de sa thèse sur Ruskin. Elle se penche également sur l’Op Art, la conception de « l’art comme expérience » et le rôle de l’interaction dans les arts visuels. Elle a enseigné de nombreux cours d’histoire de l’art à l’Université d’Ottawa en français et en anglais, portant sur des sujets tels que l’art contemporain, la mondialisation en art et l’art et les nouvelles technologies.

Talia M. Boileau joue un rôle essentiel au sein du département des arts visuels en tant qu' agente d'information.

Yekta Çetinkaya est un artiste visuel originaire d'Istanbul, en Turquie, qui vit et travaille actuellement à Ottawa. Il a obtenu son diplôme du programme de baccalauréat en arts-visuels de l'Université d'Ottawa en 2022. Il travaille actuellement au Département des arts visuels en tant que responsable du marketing et du magasin.

Sasha Phipps est un artiste canadien-français basé à Ottawa qui travaille dans la vidéo, l'installation, la peinture et les interventions d'art public. Il a obtenu un diplôme collégial en animation 3D à la Cité collégiale au printemps 2006 et un baccalauréat en beaux-arts de l'Université d'Ottawa au printemps 2010. Il maintient une pratique artistique dans la ville d'Ottawa et travaille comme technicien en photographie et en arts médiatiques pour le département des arts visuels de l'Université d'Ottawa.

Michel Vallières joue un rôle essentiel au sein du département des arts visuels, puisqu'il aide les étudiants dans leurs projets de sculpture et gère l'atelier de menuiserie.